初次邂逅一件非凡的藝術傑作，總能帶來一種難以言喻的愉悅。「藝聚限定」（Basel Exclusive）是巴塞爾藝術展推出的一項全新舉措：精選的重磅作品在展會開幕前不作任何公開——沒有電子預覽，沒有圖片——讓觀眾得以在現場親歷與作品的首次相遇。如今，等待結束，大門已啟——以下是我們為你呈獻的「藝聚限定」亮點作品導覽，以及今年巴塞爾展會各處值得細細品鑒的非凡佳作。

藝聚限定

路易絲．布爾喬亞（Louise Bourgeois）
《Untitled》（2002）
Galerie Karsten Greve，展位F1

路易絲．布爾喬亞以其極具心理深度的雕塑和裝置作品著稱，創作靈感常源於複雜的個人記憶。其中便包括她在一個從事古董掛毯修復的家族中成長的經歷。她從家族中繼承了對織物的敏銳感知——將其視為脆弱、私密且可修復之物——這深刻影響了她的許多織物雕塑，包括這件《Untitled》（2002）：由手工縫製的填充織物形體堆疊在鋼製底座之上。該作品既具有圖騰般的莊嚴感，又顯現出擬人化的意味，同時令人聯想到布爾喬亞在1940年代末創作的「Pillar」系列青銅雕塑。

海倫．弗蘭肯特爾（Helen Frankenthaler）
《Phoebe》（1979）
Yares Art，展位E14

海倫．弗蘭肯特爾通過將稀釋的油彩傾倒在未上底漆的畫布上，任其自然暈染交融成柔和的色域，在抽象表現主義領域留下了鮮明的個人印記。然而她曾遭遇一個難題：所使用的油彩正在侵蝕畫布。1960年代轉用丙烯顏料解決了這一問題，藝術家也由此確立了一套全新的繪畫語言。《Phoebe》（1979）展現了這一新媒介所帶來的更為銳利的邊緣與更加濃烈的色彩。現在正是深入瞭解弗蘭肯特爾的絕佳時機——巴塞爾藝術博物館（Kunstmuseum Basel）正在舉辦她在歐洲規模最大的回顧展。

普雷舍絲．奧科尤蒙（Precious Okoyomon）
《Sun dried slick the flames blind us – to the fact the fire bears the real – the radical body as somehow untuchable》（2025）
Mendes Wood DM，展位S4

尼日利亞裔美國藝術家兼詩人普雷舍絲．奧科尤蒙的創作橫跨裝置、雕塑與詩歌領域，常以鮮活與腐朽的有機材料來探索殖民歷史、生態以及自然界的種族化議題。火焰、韌性與受到威脅的自然是其作品中反覆出現的主題。在這件作品中，上述主題被提煉為一件多媒體雕塑，其標題本身便自成一首詩篇，奧科尤蒙的許多創作也是如此。

格哈德．里希特（Gerhard Richter）
《Silsersee》（1995）
Sies + Höke，展位R18

許多遊客到訪瑞士時，會帶些巧克力回家以作紀念。格哈德．里希特則帶回了繪畫的全新靈感。1989年，這位德國藝術家開始造訪阿爾卑斯山村錫爾斯瑪利亞（Sils Maria），並在接下來的四分之一個世紀定期重返此地，每次都會拍攝當地的風景。回到科隆的工作室後，里希特將照片投射到畫布上，以油彩忠實地再現眼前的景致——此處所繪為錫爾斯湖（Lake Sils）——隨之以軟筆刷和調色刀刮擦未乾的畫面，賦予其標誌性的模糊效果。

安迪．華荷（Andy Warhol）
《Troy》（1962）
阿奎維拉畫廊（Acquavella Galleries），展位F3

安迪．華荷在1962年瑪麗蓮．夢露（Marilyn Monroe）逝世後不久創作的絲網版畫，是美國藝術中辨識度最高的圖像之一。然而夢露並非首位躍然於華荷絲網之上的明星。那年夏天更早的時候，這位藝術家便已使用荷里活萬人迷杜．唐納許（Troy Donahue）和華倫．比提（Warren Beatty）的新聞照片嘗試這一技法。曾有人問及唐納許，華荷坦言自己預感這位演員將不久於世。這份陰鬱的預判最終偏差不小：唐納許此後平安度過四十年人生，而《Troy》則作為波普藝術史上最具影響力的系列中最早期的作品之一，被定格為永恆。

更多傑作

在「藝聚限定」之外，展會各處還有更多傑出作品等待發掘，以下精選數件亮點之作。

奈里．巴格拉米安（Nairy Baghramian）
《Side Leaps_Spatial Compositions》（未注年份）
豪瑟沃斯畫廊（Hauser & Wirth），展位C10

出生於伊朗、現居柏林的雕塑家奈里．巴格拉米安以場域回應型作品探索建築、物件與人體之間的關係——這在她今年於Messeplatz廣場呈獻的大型裝置中顯而易見。《Side Leaps_Spatial Compositions》匯集了她創作實踐中兩條截然不同的脈絡：「Side Leaps」——即她視為概念性且懸而未決之探索的草圖、素描與草模——以及「Spatial Compositions」，即將這些元素排列於未著色的金屬結構之上。作品有意未註明創作年份，體現了巴格拉米安對不穩定性與無歸屬狀態的持續關注。

喬治．巴塞利茲（Georg Baselitz）
《Due donne senza ombra》（2019）
Ropac畫廊（Thaddeus Ropac），展位B14

喬治．巴塞利茲於2026年4月辭世，享年88歲，是重塑具象藝術格局的傑出革新者之一。1969年，這位德國畫家兼雕塑家開始將描繪物件倒置，以顛倒的方式作畫，從而減緩觀者對圖像的解讀速度，迫使注意力回歸繪畫本身。《Due donne senza ombra》（2019）屬於其晚期作品；畫中兩個倒置的幽靈般的人物以淺淡的色彩繪製於深色背景之上。作品標題意為「無影的兩個女人」，與理察．史特勞斯（Richard Strauss）最具象徵意義的歌劇之一的名稱遙相呼應，而這部歌劇的維也納首演，恰好是畫作誕生的百年之前。

皮耶・雨格（Pierre Huyghe）
《Of Ideal》（2019至今）
施博爾畫廊（Esther Schipper），展位S1

倘若我們能夠直觀窺見他人腦海中的想像圖景，會是怎樣一番景象？在《Of Ideal》中，法國藝術家皮耶・雨格與京都大學的神經科學家合作，在參與者想像記憶與情境時掃描他們的大腦。這些掃描數據隨即被輸入一個神經網路，該網路在真實世界的圖像資料庫中搜索與大腦活動最為匹配的視覺對應物。最終顯現在作品LED螢幕上的，是由人類思維驅動的、連綿不斷的無定形數碼影像流。

芭芭拉．克魯格（Barbara Kruger）
《Untitled （Thwart the Law）》（1987）
施布特-瑪格畫廊（Sprüth Magers），展位B19

芭芭拉．克魯格——今年巴塞爾藝術獎（Art Basel Awards）「典範藝術家」（Icon Artist）類別的獲獎者——自1980年代初便致力於將廣告的視覺語言反轉為對自身的批判。她將現成照片與以粗體Futura字體書寫的對抗性短語相結合，這幅1987年的明膠銀鹽照片中的文字發出兩道指令：「Thwart the Law. Baffle the Father.」（挫敗律法，瓦解父權。）事實證明，法律界確實注意到了：翌年，該作品被刊載於《耶魯法律雜誌》（The Yale Law Journal），證明藝術的挑釁確實能夠打破藝廊的邊界。

亨利．摩爾（Henry Moore）
《Large Four Piece Reclining Figure》（1972–73, 1984年鑄造）
高古軒（Gagosian），展位B15

英國雕塑家亨利．摩爾以其布滿孔洞與虛形的紀念碑式半抽象青銅雕塑聞名，數十年間尤其偏愛表現斜倚的人像。在他看來，斜倚是唯一「同時兼具自由與穩定」的姿態。1970年代初，他開始將人體拆解為碎片，迫使觀者繞行作品四周，而非從單一視點進行解讀。《Large Four Piece Reclining Figure》延展近四米，表面經拋光處理而非做鏽色處理——這是摩爾為數不多採用這種處理方式的作品之一。