<p>De la robe Homard d’Elsa Schiaparelli et Salvador Dalí aux sculptures d’Anna Uddenberg pour Balenciaga, Hili Perlson revient sur quelques collaborations particulièrement iconiques à l'occasion&nbsp;de la Fashion Week de Paris</p>

Hili Perlson

Quand la mode rencontre l’art : une brève histoire des plus célèbres idylles entre ces deux mondes 

<p>La mode peut-elle, dans certains cas, être considérée comme de l’art ? La question ressurgit chaque fois qu’un∙e créateur∙rice révolutionnaire se taille une place dans la culture mainstream, et parvient à traduire l’esprit du temps dans une proposition vestimentaire conceptuelle. La réponse ? Tout dépend à qui vous demandez.</p><p>Voici ce que le créateur japonais d’avant-garde Yohji Yamamoto m’a asséné un jour avec une certaine fermeté : « La mode, ce n’est pas de l’art. La mode, c’est fabriquer des vêtements. Et c’est seulement une fois fabriqués que certains vêtements peuvent devenir des œuvres d’art. » Feu Virgil Abloh, qui entraîna la mode urbaine vers de nouveaux sommets en fondant sa propre griffe, Off-White, mais aussi en tant que directeur artistique des collections masculines Louis Vuitton, ne voyait pas les choses de cette façon. Dans son univers, tout était pétri de références. Au cours d’un de nos échanges, il avait esquissé un lien direct entre Marcel Duchamp et Martin Margiela, expliquant ainsi les origines de sa règle personnelle des « trois pour cent » – l’idée qu’un minimum de subversion suffit pour transformer n’importe quel produit existant en quelque chose de neuf. « Je crois que tout ce qui a pu être fait depuis [la <em>Fontaine </em>de Duchamp] peut être envisagé sous un angle nouveau. La culture elle-même peut être considérée de différents points de vue », m’avait-il expliqué alors.</p><p>Une chose est sûre, la mode et l’art ont toujours entretenu un lien de parenté – et quand les deux mondes décident de s’allier et de collaborer, le résultat peut bouleverser les paradigmes. Au moment où les créateur∙rice∙s s’apprêtent à présenter leurs collections printemps/été 2023 à l’occasion de la Fashion Week de Paris, tout au long de cette semaine, voici un bref passage en revue des plus mémorables moments d’art et de mode du 20<sup>e</sup> siècle, de ceux∙elles qui ont contribué à réécrire les règles du genre.</p>

<p><strong>Elsa Schiaparelli et Salvador Dalí </strong></p><p>La rencontre de ces deux iconoclastes, la créatrice italienne Elsa Schiaparelli et le peintre espagnol surréaliste&nbsp;<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/19664/Salvador-Dal%C3%AD">Salvador Dalí</a>, dans le Paris du milieu des années 1930, est considérée par beaucoup comme la toute première collaboration entre art et mode. Elle a donné lieu à une collusion d’esprits aussi durable que mutuellement inspirante, qui a produit des moments parmi les plus éblouissants et les plus iconiques de l’histoire de la mode. (Il n’y aurait pas eu de Martin Margiela, et plus tard, de Demna Gvasalia, sans Elsa.)</p><p>Tout commence en 1935, quand Dalí crée un imprimé journal à partir de coupures de presse évoquant la maison de couture italienne – une idée qui annonçait les supports promotionnels multimédia de notre époque. Leur dialogue se poursuivra par la suite et, une décennie plus tard, en 1946, Dalí signera le flacon et la campagne publicitaire du parfum d’Elsa Schiaparelli, <em>Le Roy Soleil</em>, lancé pour célébrer la fin de la Seconde Guerre mondiale. En retour, l’artiste espagnol demanda à l’intrépide créatrice de réinterpréter les silhouettes allongées et inquiétantes récurrentes dans ses œuvres, donnant naissance aux robes <em>Larmes</em> et <em>Squelette</em>, deux œuvres dignes de figurer dans un musée. Cependant, le clou incontesté de leur collaboration est la robe <em>Homard</em>, icône surréaliste éternellement citée – et qui fit scandale. Le vêtement avait été conçu pour Wallis Simpson, photographiée en 1937 par Cecil Beaton, pour <em>Vogue</em>. Mais la cause du scandale n’avait rien à voir avec la vie personnelle ou les sympathies nazies de cette mondaine : c’était plutôt la finesse du tissu drapé autour de son torse, et la jupe trapèze translucide.</p><p>Outre le profond respect qu’éprouvait chacune pour le génie de l’autre, toustes deux comprenaient aussi les avantages qu’iels avaient à tirer d’une telle collaboration : Dalí accédait ainsi à la haute société parisienne, qui allait lui apporter une clientèle fortunée, tandis qu’Elsa Schiaparelli se taillait une réputation qu’on qualifierait aujourd’hui de plus « pointue », prenant ainsi l’avantage sur sa principale rivale, Coco Chanel. Cette quête de la précieuse différence allait faire progresser les collaborations entre art et mode.</p>

<p><strong>Rei Kawakubo et Merce Cunningham </strong></p><p>Travailler de concert avec des artistes de toutes disciplines faisait partie intégrante de la vision du chorégraphe américain Merce Cunningham, qui voulait représenter le corps en mouvement dans l’espace et le temps. Il collabora de près avec&nbsp;<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/10581/John-Cage">John Cage</a>,&nbsp;<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/6739/Jasper-Johns">Jasper Johns</a>,<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/7514/Robert-Rauschenberg">&nbsp;Robert Rauschenberg</a>&nbsp;et&nbsp;<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/6751/Andy-Warhol">Andy Warhol</a>&nbsp;à partir des années 1960, allant jusqu’à chorégraphier en 1968 une pièce intitulée <em style="background-color: initial;">Walkaround time</em>, conçue autour de <em style="background-color: initial;">La mariée mise à nue par ses célibataires même</em>, de Duchamp, un tableau également connu sous le titre <em style="background-color: initial;">Le Grand Verre</em> (1915–1923). Mais il n’avait jamais travaillé avec une créatrice de haute-couture avant de solliciter Rei Kawakubo en 1997, à qui il demanda de créer les costumes et le décor de sa pièce dansée <em style="background-color: initial;">Scenario</em>.&nbsp;</p>

<p>La fondatrice japonaise de la griffe avant-gardiste <em>Comme des Garçons</em>, basée à Paris et Tokyo, commença par refuser. Mais elle changea vite d’avis, alors qu’elle se lançait dans la création de sa célèbre collection <em>Body Meets Dress, Dress Meets Body</em>, exprimant toute sa consternation devant l’état de la mode de l’époque, et qui allait rester célèbre sous le nom de défilé <em>lumps and bumps </em>(grosseurs et tumeurs). Ses tenues de danse, comme la collection <em>Body</em>, présentaient un rembourrage irrégulier destiné à créer des protubérances sur les épaules, le dos, le torse ou les hanches de celui ou de celle qui le portait, altérant ainsi la silhouette et les proportions du corps humain, mais aussi la perception que les danseur∙euse∙s avaient de leur propre corps et de leurs interactions sur scène. Certain∙e∙s ont pu témoigner des contraintes imposées par le vêtement, ou raconter comment leur bosses obstruaient partiellement leur champ de vision. En résumé, les costumes de scène de Rei Kawakubo ont radicalement influencé la chorégraphie de Merce Cunningham, faisant de leur travail commun une authentique collaboration créative.</p>

<p><strong>Louis Vuitton et Takashi Murakami </strong></p><p>L’une des plus grandes réussites économiques de ces collaborations entre art et mode, restée une icône des années 2000, c’est la collection <em>Monogramme Multicolore</em> de Takashi Murakami pour Louis Vuitton, une série de hit-bags qui s’est immédiatement hissée parmi les plus désirables de l’histoire de la mode. Tout a commencé quand Marc Jacobs, alors directeur de la création Louis Vuitton, a demandé à l’artiste japonais de réinterpréter le fameux imprimé monogramme, dans le sens de la mission du créateur : donner un nouveau souffle aux pièces emblématiques du patrimoine de la maison. La collection lancée en 2003 comprenait 33 nuances en lieu et place des marrons signature de la griffe, et le Japon était alors la principale cible. Mais ces sacs ont connu un succès quasi instantané, arborés sous les flashs des paparazzi par Lil’ Kim, Britney Spears ou Paris Hilton, ainsi que pratiquement toutes les célébrités en Juicy Couture de l’époque, malgré (ou grâce à) une production en série limitée qui les rendait difficiles à trouver. Mieux encore, la collection a déclenché la logomania dont l’influence définit encore aujourd’hui l’univers de la mode.</p><p>La collection <em>Monogramme Multicolore</em> marquait les débuts d’une collaboration durable entre Louis Vuitton et Murakami, qui s’est poursuivie jusqu’à la fin 2015, donnant naissance à d’autres collections iconiques, comme <em>Cerisiers en fleur</em> (2003) ou <em>Monogramouflage </em>(2008). « C’était, et c’est toujours, un mariage phénoménal entre art et commerce », écrivait Marc Jacobs en 2008 au sujet de ce partenariat, alors que Murakami venait de faire son entrée dans la liste des 100 personnalités les plus influentes de l’année du magazine <em>Time</em>. « C’est l’exemple ultime de mélange des genres : digne des livres d’histoire de la mode comme de l’art. »</p>

<p><strong>Raf Simons et Sterling Ruby </strong></p><p>Pour sa première collection saluée par la critique en tant que directeur artistique de la maison Dior, en 2012, le créateur belge Raf Simons (qui avait redynamisé la marque allemande Jil Sander avant d’obtenir ce poste au sein de la maison française) créa une robe imprimée à partir d’un tableau de l’artiste&nbsp;<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/7658/Sterling-Ruby">Sterling Ruby</a>. Cette collaboration serait la première d’une longue série, faisant par ailleurs l’objet d’un documentaire filmé sur le vif, <em>Dior et moi</em> (2014), qui saisit avec sensibilité les petits télescopages entre les affinités post-punk du créateur et les artisan∙e∙s couture de la maison Dior.</p>

<p>Raf Simons et Sterling Ruby se sont rencontrés en 2005, quand celui qui était encore une étoile montante de la mode masculine s’est mis à collectionner les œuvres de l’artiste californien, qui commençait tout juste à se faire connaître. En 2014, tous deux ont présenté une première collection masculine réalisée entièrement en collaboration, au nom de la griffe éponyme de Raf Simons (pour laquelle il n’a jamais cessé de créer, en parallèle de ses postes dans différentes maisons) et ils ont continué à travailler ensemble pendant le passage de Raf chez Calvin Klein, entre 2016 et 2018. Sterling Ruby travaille aussi les textiles, et produit des tissus haut de gamme pour réaliser ses structures souples, collages et tapisseries. En 2019, il a également lancé sa propre marque, S.R. STUDIO. LA. CA., fusionnant son esthétique punk et skate avec une approche des matériaux influencée par les Amish et les Mennonites – le résultat de ses années d’apprentissage en Pennsylvanie.</p>

<p><strong>Balenciaga et Anna Uddenberg</strong></p><p>Balenciaga a été fondée en 1919 par le couturier espagnol Cristóbal Balenciaga, mais c’est sous la direction artistique du créateur géorgien Demna Gvasalia que cette maison de mode est rapidement devenue indissociable du monde de l’art. Demna – qui a fait ses armes chez Margiela avant de co-fonder Vetements en 2014, puis de rejoindre Balenciaga en 2015 – a poussé l’ironie mode bien au-delà des pièces déstructurées conceptuelles de son mentor, ou du style « joli-moche » de Miuccia Prada. Son approche radicale s’inscrit dans l’héritage du normcore, et puise dans la tradition surréaliste, en mixant haute et basse culture pour un impact visuel maximal. Le mélange des genres entre art et mode s’exprime absolument partout, des choix de casting aux décors des podiums (le défilé printemps/été 2019 intégrait une œuvre multimédia monumentale de&nbsp;<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/19899/Jon-Rafman">Jon Rafman</a>), en passant par la sélection des ambassadrices et muses de la griffe (<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/17561/Eliza-Douglas">Eliza Douglas</a>,&nbsp;<a href="https://www.artbasel.com/stories/meet-the-artists-nora-turato">Nora Turato</a>), les campagnes multimédia, ou l’aménagement des boutiques.</p>

<p>Récemment, une collaboration avec&nbsp;<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/19662/Anna-Uddenberg">Anna Uddenberg</a> a donné lieu à une campagne publicitaire et en magasin intégrant des sculptures de l’artiste. Cette Suédoise installée à Berlin a créé des versions sur mesure de ses œuvres emblématiques en forme de corps féminins en se servant des surplus de la maison Balenciaga, et les a chaussées de Crocs hybrides Balenciaga (plus précisément, les <em>Croc Boots</em> et les <em>Crocs Madame</em>), pour fêter le lancement de ces modèles de chaussures en 2021. L’œuvre intitulée <em>Tanya</em> montre une femme penchée sur une poussette d’allure menaçante ; dans la campagne de pub, cette sculpture était présentée au milieu des ruines d’une station d’écoute de la NSA datant de la guerre froide, au sommet de Teufelsberg, la « montagne du diable », à Berlin. En 2022, dans le cadre du projet « Art in Stores » de Balenciaga, les sculptures ont également été exposées dans les principales enseignes de la griffe à New York, Londres et Milan – cette fois chaussées de Crocs de la nouvelle collection.</p><p>Hili Perlson est autrice et rédactrice en chef, et partage sa vie entre Berlin et Palerme.</p><p>Traduction française : Marguerite Capelle</p><p>Légende des images en pleine page :&nbsp;1–2. Vues de l’exposition « Dance Works III: Merce Cunningham / Rei Kawakubo »<em>,</em>Walker Art Center, 4 octobre 2012 - 24 mars 2013. Photographie de Gene Pittman pour Walker Art Center. 3. Calvin Klein 205W39NYC's, New York City, Madison Avenue, en collaboration avec Sterling Ruby, 2017. &copy; Elizabeth Felicella. 4. Anna Uddenberg, <em>CORPORATE GRAY / External Spine</em>, 2021, Balenciaga, Via Montenapoleone, Milan. Avec l’aimable autorisation de Balenciaga.</p>

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As Paris Fashion Week begins, we trace some of the most iconic interdisciplinary collaborations – from Schiaparelli and Dalí to Louis Vuitton and Takashi Murakami

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