Du 23 au 25 octobre, Art Basel Paris retrouvera la nef du Grand Palais. Avec 211 galeries venues de plus d’une quarantaine de pays, ce cinquième rendez-vous marque aussi l’arrivée de Karim Crippa à sa direction, après avoir été directeur de la communication d’Art Basel Paris. À l’approche de l’inauguration, il dévoile les temps forts du programme et sa vision pour la foire dans le contexte actuel.

Vous faites partie de la maison Art Basel depuis huit ans et avez vu éclore Art Basel Paris en 2022, avant d’en prendre la direction en novembre dernier. Comment percevez-vous l’évolution de la foire depuis sa création ?

L’évolution d’Art Basel Paris est à la fois exponentielle et vertueuse. Nous sommes une jeune foire : nous n’avons que cinq ans et pourtant nous sommes parvenu·e·s en peu de temps à établir un événement très désirable pour une multitude de publics. Cette évolution rapide nous engage à maintenir la qualité et l’ambition avec laquelle nous étions parti·e·s en 2022. Comme beaucoup de Parisien·ne·s d’adoption, j’ai une très grande affection pour la capitale qui est ma ville de cœur, et organiser un événement qui reflète toute sa beauté me réjouit énormément.

Quelle foire parisienne souhaitez-vous construire ?

Nous souhaitons continuer à ancrer la foire dans le terreau qui la nourrit, tout en renforçant notre position au sein du marché de l’art et du paysage culturel français. Je poursuis un projet déjà engagé, axé notamment sur la représentation géographique au sein de la foire, l’évolution des secteurs thématiques ou spécifiques à Paris – Premise et Emergence –, mais aussi sur la définition d’une foire intrinsèquement "parisienne". Notre profil doit être suffisamment singulier pour nous différencier, d’une part, de nos foires sœurs au sein d’Art Basel, et, d’autre part, de nos concurrentes. C’est aussi grâce à la forte présence de galeries parisiennes et à leur travail que nous y arrivons.

Comment Paris affirme-t-elle son identité au sein du réseau Art Basel ?

La foire parisienne se différencie d’abord par son échelle : plus petite et plus intimiste que Bâle et Miami Beach – le plus grand stand de cette dernière fait presque le double du plus grand stand de Paris –, ce qui implique forcément une expérience très différente pour le·la visiteur·euse. Le rayonnement extraordinaire de Paris à travers le monde joue aussi beaucoup dans cette singularité. Il s’agit à la fois pour nous de faire un clin d’œil au fantasme associé à cette ville dans la pop culture, de rappeler son inscription dans l’histoire de l’art moderne, et de montrer la réalité du Paris d’aujourd’hui, c’est-à-dire un Paris très jeune, marqué par une vraie diversité et un désir d’expérimentation. C’est cela qui lui donne cette saveur si particulière.

Quels fils rouges se dégagent déjà des propositions des galeries ?

C’est encore difficile à dire pour le secteur principal mais dans le secteur Emergence, toujours présenté sur les coursives du Grand Palais, je remarque davantage de peinture et de figuration que les années précédentes, par exemple avec Ant Łakomsk chez la Galeria Stereo, Yann Stéphane Bisso chez Exo Exo, ou encore Anna Clegg chez Schiefe Zähne. J’identifie aussi des positions queer davantage visibles, que ce soit Drake Carr chez Mariposa ou Haneyl CHOI chez P21.

En 2024, Art Basel Paris lançait Premise, « un espace de liberté curatoriale où les définitions s’abolissent pour interroger la nature même de l’œuvre ». Comment ce secteur évolue-t-il cette année ?

Premise témoigne à lui seul d’un désir d’élargir les marges de ce qui représente le canon de l’histoire de l’art, et c’est une vraie spécificité parisienne : parmi toutes les foires Art Basel, c’est l’un des seuls secteurs qui permet officiellement l’intégration d’œuvres produites avant 1900. Son idée est née d’une insatisfaction : celle de ne pouvoir accueillir à Art Basel des galeries aux propositions remarquables, mais incompatibles avec les critères du secteur général. Cette année, le secteur s’agrandit et accueille 12 stands, contre 9 l’an dernier. Nous le déplaçons dans une galerie du Grand Palais que nous investissons pour la première fois et qui inaugurera une nouvelle entrée dans la foire, par le square Jean Perrin. Là-bas, la galerie Blue Velvet présentera des œuvres de Sibylle Ruppert, artiste allemande extraordinaire dont l’œuvre oscille entre aliens et BDSM. Chez Zlotowski, on aura des œuvres sur papier très anciennes de Vera Molnár, datant du début de sa carrière, ou encore une suite d’œuvres réalisées avec de la poix du cinéaste britannique Derek Jarman, présentées par l’Amanda Wilkinson Gallery. Nous sommes donc ravi·e·s de disposer de cet espace pour montrer ces positions singulières et ces œuvres rarement exposées.

Quels seront les temps forts du Programme Public cette année ?

Tout en restant fidèles à notre ambition de présenter en libre accès des œuvres de haut vol, nous avons voulu densifier cette année les propositions autour du Grand Palais. Dès la sortie du métro, on sera donc accueilli par un superbe bronze LOVE de Robert Indiana [1966-1968], et du côté du square Jean Perrin, par une œuvre de Lionel Sabatté présentée par Ceysson & Bénétière. Sur l’avenue Winston Churchill, de nouveau piétonnisée pour l’occasion, on traversera un parcours de sculpture festif et varié, avec des œuvres signées Simone Fattal, Niki de Saint Phalle, Carmen Herrera, Alicja Kwade, Manfred Pernice… 

Au Petit Palais, Cosima von Bonin présentera The Beaux, une série de sculptures-peluches représentant des animaux, emplies d’humour et de douceur. À l’École des Beaux-Arts de Paris, la Chapelle des Petits-Augustins accueillera l’installation vidéo Küba [2004] de l’artiste turc Kutluğ Ataman, mettant en récit un quartier d’Istanbul disparu. 

Rive droite, au Parvis des Droits-de-l’Homme, White Cube et la Cité de l’architecture et du patrimoine présenteront trois sculptures monumentales en bronze de Tracey Emin. Il y aura aussi l’exposition de Kennedy Yanko à la Cité de l‘Architecture et du patrimoine, et un projet de la cinéaste Alice Diop au palais d’Iéna, présenté par Miu Miu, le Partenaire Officiel du Programme Public.

Comment percevez-vous l’évolution actuelle du marché de l’art ?

Le principal changement que j’observe est un changement de rythme, notamment chez les collectionneur·euse·s. Nombre de participants et de participantes à notre foire partagent la même analyse : si Art Basel Paris représente une opportunité unique de rencontres, disposer du temps nécessaire, pour clore une vente ou avoir une discussion poussée avec un·e collectionneur·euse, est primordial. C’est pour cela que nous avons mis en place le format Avant-Première : le mardi après-midi, veille de l’ouverture VIP de la foire, il permet aux galeries d’inviter leurs client·e·s les plus fidèles. Profitant d’une jauge particulièrement réduite au Grand Palais, elles ont justement plus d’espace, de tranquillité et de temps pour des échanges privilégiés.

L’autre sujet qui nous occupe est celui du renouvellement : qui seront les collectionneurs de demain ?

Le Great Wealth Transfer, cette transmission massive de patrimoine d’une génération à l’autre, fait actuellement émerger de nouveaux·elles collectionneur·euse·s potentiel·le·s, avec d’autres priorités. Nous devons donc nous assurer que ces publics, qui ne collectionnent pas encore mais en ont l’envie et les moyens, puissent avoir accès à Art Basel Paris. Nous menons également un effort de pédagogie pour mieux expliquer qui nous sommes et que tous les publics peuvent venir au Grand Palais pendant la foire, néophytes, féru·e·s d’art, primo-collectionneur·euse·s, étudiant·e·s, grand public… Tout le monde doit pouvoir y trouver sa place.

Ces nouveaux·elles acheteur·euse·s ont-iels un autre rapport à l’art ?

Ce que l’on constate surtout chez les acheteur·euse·s de la Gen Z et certains milléniaux, c’est qu’il n’y a plus vraiment de hiérarchie entre ce qui les intéresse ou ce qu’iels considèrent mériter un investissement. Que ce soit une paire de baskets collector, une carte Pokémon particulièrement rare ou une toile d’Issy Wood, tout se trouve sur le même plan de désirabilité. C’est donc à nous de nous assurer que l’art soit aussi, voire davantage, désirable que d’autres biens. La beauté de collectionner l’art réside aussi dans l’absence de finalité pratique de l’œuvre. On ne peut pas mettre son rouge à lèvres dans un tableau, ni glisser ses pieds dans une sculpture, se déplacer via une installation ! Au contact des œuvres, on se détache de notre rapport pragmatique aux choses au profit d’une expérience plus psychologique, intellectuelle et sensitive. L’art nous permet de nous extraire temporairement du régime du quotidien, pour explorer celui de l’exceptionnel et de l’enchantement. Et ça, c’est assez formidable !