一個人若被稱為「convivial」，通常意味著其精力充沛、平易近人且熱情洋溢，但該詞的詞源可追溯至拉丁語，其本義僅為「共同生活」或「共同用餐」。策展人Stefanie Hessler在為今年巴塞爾藝術展巴塞爾展會的「城藝之旅」（Parcours）展區構思「歡聚」（Conviviality）這一主題時，正是從該詞根及其潛在的延伸作用出發——該展區將一如既往地藝術作品置於這座瑞士城市的公共空間之中。她表示，「當下的社會、生態、技術語境，促使我們追問我們如何共同生活，以及某些決策將如何自下而上，而非自上而下地制定。」

這種反思因「城藝之旅」遍佈巴塞爾全城的特性而得以深化與豐富：路人在日常生活中便能邂逅藝術作品。「這些作品也探討了我們與自然世界的關係，以及我們所屬的文化生態系統——包括儀式、神話與敘事，」Hessler說。「我們如何創造意義，以及我們如何在公共空間中、在建築中表達我們的信仰，如何創造相聚的空間與契機。」

以下四位參展「城藝之旅」的藝術家，分享了他們對「歡聚」一詞的理解——以及這一理念如何啟發他們在現實世界中的生活與創作。

卡德．阿提亞（Kader Attia）
《Untitled (Rainsticks)》（2024）
展出地點：UBS-Geschäftsstelle，Aeschenvorstadt 1

在其裝置作品《Untitled (Rainsticks)》（2024）中，這位現居柏林的法裔阿爾及利亞藝術家致力於為視覺與身體雙重感官營造一種沉浸式環境。「就藝術作品而言，『歡聚』意味著一種滲透性：我們需要敞開身體與心靈。從這種滲透性中，某種互惠互通的關係將會浮現。」他說

他的藝術展示方式強調在高度數碼化的世界中回歸實體體驗。「藝術作品存在於一個可見的空間，人們必須親身前往才能體驗它。當你邀請人們前來觀看藝術作品時，你是在將他們從注意力經濟中抽離出來，」他說。這種互動模式的構建亦蘊含多層面的意義。「人是群居的主體——通過共在來抵禦生活的艱難。在我看來，『歡聚』並非去參加派對或狂歡。它是一種互惠性，意味著傾聽，以及對一切差異保持開放——尤其在當下，這正是社會不可或缺的黏合劑。」

妮可．科森（Nicole Coson）
《Somewhere Within Here》（2026）
展出地點：KLARA，Clarastrasse 13

六百枚源自菲律賓蠔養殖場的鋁鑄貝殼，懸掛在從天花板垂懸而下的鎖鏈，構成了妮可．科森的裝置作品《Somewhere Within Here》（2026）。這種網格狀的結構借鑒了這位菲律賓裔、現居倫敦的藝術家長期以來著迷的水產養殖方法。「它們既有功能性，又散發著一種奇異的美感，訴說著人與自然環境之間的關係，」科森說道，並解釋說，她鼓勵觀眾穿行於作品之中，仿彿在探索海洋的深處。

儘管科森的許多作品由她親手製作，但她的工作室坐落於一個匯聚了兩百多個類似創作空間的創意園區中。多年來，她與在那裡結識的創作者展開合作；目前，她正與一位傢具設計師合作創作一系列屏風隔斷。

她的實踐還包括名為「Food Stories」的活動，追溯她的家族沿絲綢之路的歷史足跡，因此她熱衷於以烹飪表達愛與感激也就不足為奇了。「這是一個以輕鬆而有意義的方式將人們聚在一起的機會，」她說。「在這個日益分裂的世界里，有意識地相聚變得比以往任何時候都更為重要。與人相聚——無論是在展覽中、在舞池上，還是在餐桌旁——提醒我們，我們的存在是彼此關聯的，而僅僅是騰出時間共處，本身就可以成為一種展現韌性的有意義之舉。」

Pélagie Gbaguidi
《Fragmentation》（2024）
展出地點：Kirche St. Clara，Claraplatz 6

Pélagie Gbaguidi為「城藝之旅」創作的作品——一組名為《Fragmentation》（2024）的大型解構織物作品——誕生於一個大學研究項目，靈感源自對法國昂熱的中世紀「啟示錄」（Apocalypse Tapestry）掛毯的沉思。置身學生之間的經歷説明她構思出作品核心的追問，她說，要理解「啟示錄」在今天意味著什麼，「首先，你需要向自己提出這個問題，但顯然你隨後需要將這場討論推向所有人。」這位出生於達卡、現居布魯塞爾的藝術家，在工作室中創作著觸及集體記憶與創傷的作品——從中尋找意義、美、愛、喜悅，以及對人性的渴望。「律動是共通語言的基本元素。它承載著個體與社會互動的編舞。」

Gbaguidi將自己定義為當代的格里奧（Griot），即西非傳統敘事者，她認為自己是更宏大敘事的傳道者。「我的實踐是通過藝術作品構建社群。我的繪畫只是這個過程的一小部分，一種殘留的痕跡。過程本身在於建立關係：它是我在對話中所接收到的資訊。一切都是作品的一部分，」她解釋道，她還提到自己熱愛烹飪和邀請人們到家中做客，以此「提供一個充滿希望的空間」。「對我而言，『歡聚』即是我們如何承載這份生命的詩意。」

Amol K. Patil
《Burning Speeches》（2025）
展出地點：Volkshaus Basel，入口經由Schafgässlein

Amol K. Patil的跨學科創作在很大程度上反思了印度的種姓制度——他所屬的達利特（Dalit）群體長期被邊緣化於社會底層。這位出生於孟買的藝術家的實踐本質上具有集體性：「起初，我以為我會獨自完成一切，但後來我意識到，我的創作是在講述我自己社群的故事。」他說。

《Burning Speeches》（2025）的主體是一台持續播放對話的收音機，它在瀰漫的煙霧中逐漸消融——廣播曾是印度藉助地下網路力量進行反抗的手段（在巴塞爾展會，該作品被安置於一間廢棄的地下酒吧中）。「達利特藝術家有一種名為『Powada』的藝術形式，他們過去常在公共空間中表演，而現在他們不能了，因為會被逮捕，」他說。「我利用這個空間來展示人們可以在地下相聚並彼此分享。現在有很多人參與到我的項目中：電工、木匠——正是這些關係使創作成為可能。」如今定居阿姆斯特丹的Patil，常常需要向人們解釋達利特社群是什麼——這種思想交流可以通過從朗誦詩歌到烹飪的任何方式來進行。他說：「食物將我們引向更深層的對話——討論我們的社群過去吃什麼食物，哪些菜可以用手抓著吃。人們想要了解和學習，這很美好。食物關乎的是人與人的關係。」